La retrospectiva estelar de Meret Oppenheim del MoMA va más allá de la taza de té

Aug 02, 2023

Puede que nunca haya habido un artista que pintara autorretratos tan extraños como Méret Oppenheim. En Head of Fog (1971), representó su rostro sin rasgos como si estuviera velado por una espesa nube gris, con trazos blancos salpicados por el lienzo. En Stone Woman (1938), se retrató a sí misma como un conjunto de rocas lisas que se extienden hacia un océano, donde, debajo de las olas que golpean la orilla, podemos vislumbrar un par de pies humanos enfundados en calcetines.

Cuando evocas una obra de Oppenheim, probablemente piensas en Object, su famosa escultura de 1936 compuesta por poco más que una taza de té cubierta de piel, junto con un plato cubierto de piel y una cuchara cubierta de piel a juego. Probablemente no te imagines algo como Head of Fog y Stone Woman, pero deberías hacerlo: produjo muchas obras intrigantes en su línea, y con ellas demostraría su valía, una y otra vez, como una artista más compleja de lo que sus críticos a menudo pensaban.

La retrospectiva estelar de Oppenheim en el Museo de Arte Moderno, que se exhibe ahora en Nueva York, es un testimonio de su renuencia a dejar que nadie la encasille. Era una surrealista que coqueteaba con el pop, el Nouveau Réalisme, el Arte Povera y otros estilos; artista autodidacta que incursionó en la escultura, la pintura, el dibujo e incluso la performance; y una judía alemana cuya carrera la llevó a Francia, donde se unió a personas como André Breton y Many Ray, y Suiza, a donde se mudó durante la Segunda Guerra Mundial cuando su familia experimentó problemas financieros. Era indefinible como artista, un hecho al que incluso aludió cuando, en una entrevista de 1983, dijo: "Comprometerse con un estilo en particular me habría aburrido hasta la muerte".

Este espectáculo de Oppenheim la ve tan ampliamente como la propia artista quería. (Fue organizado para el MoMA por Anne Umland, la curadora experta detrás de una serie de grandes retrospectivas para modernistas en el museo; trabajó con Nina Zimmer y Natalie Dupêcher en la muestra, que se presentó en el Kunstmuseum Bern en Suiza y en la Menil Collection en Houston, Texas.) El objeto aparece hacia el principio, donde está colocado modestamente, aunque sin nada especial, en una pequeña vitrina. Este no es el tipo de presentación que anuncia la obra como la obra maestra surrealista que es.

El énfasis, entonces, es todo lo que vino después de Object: las figuraciones gloriosamente extrañas de los años de la guerra, los experimentos helados con objetos confeccionados en las décadas posteriores, las imágenes inescrutables basadas en sueños de su última década. Es una alegría que el MoMA haya organizado el espectáculo de esta manera, complicando tanto a Oppenheim como a la historia de las mujeres surrealistas en general.

Pero la muestra está organizada cronológicamente, por lo que vale la pena detenerse en esa primera galería. Oppenheim partió de Suiza hacia París en 1932, y casi de inmediato comenzó a hacer pinturas que imaginan a un ángel sosteniendo a un bebé degollado, un espectro masticando un trozo de pan y más fantasmagoría.

A pesar de su enfoque en toda la amplitud de su carrera, el programa podría beneficiarse de alguna edición. Varias pinturas tempranas se mezclan en calidad; los peores de ellos apestan a la misma calidad chirriante macabra-twee que asalta las películas más olvidables de Tim Burton. Son las esculturas, de las que hay pocas a la vista, las que más destacan. Lo más destacado es Box with Little Animals (1935/73), una caja de madera con farfalle tonde que pululan en una esquina como termitas. Tan imaginativa era Oppenheim que podía hacer que la pasta comprada en la tienda pareciera totalmente desconocida y totalmente viva.

Es tentador llamar cursi a Box with Little Animals, y luego ves una obra como Corpse in a Boat (1936) cerca. Este gouache con pincel presenta un cuerpo femenino desnudo cuyos senos han sido cortados y cuya pelvis ha sido abierta; el cadáver descansa sin fuerzas dentro de un bote de remos, donde puede pasar desapercibido para otros que viajan por las aguas serenas cercanas. Hay una sensación implícita de violencia en todas estas piezas, que actúan como un recordatorio de la carnicería del mundo real del momento que obligó a Oppenheim a partir del París vanguardista hacia Suiza en 1937.

En los años 40, el estilo de Oppenheim daría el primero de muchos giros bruscos e inesperados. Había asistido a una escuela de oficios, donde estudió restauración, y emergería con un estilo pictórico recién pulido, uno que se ajusta más perfectamente al arte surrealista que conocemos tan bien. Algunas de sus pinturas de la época contrastan con paisajes iluminados por la luna que recuerdan la obra de Max Ernst, con quien Oppenheim tuvo una breve aventura mientras ella vivía en París. Sin embargo, las pinturas de Oppenheim de esta década, cargadas como están de figuras desnudas cuyas cabezas están llenas de nubes y ramas, acumulan imágenes propias.

La retrospectiva del MoMA sabiamente dedica la mayor parte de su espacio a la producción de Oppenheim de las décadas posteriores, en las que su marca de surrealismo encontró su igual en los estilos del momento. Cogió elementos prefabricados y los transformó, como hizo en Miss Gardenia (1962), un marco de metal prefabricado que debería envolver una pequeña pintura o un espejo pero, por alguna razón, en realidad sostiene un trozo de yeso. que sobresale hacia el espectador. Según el título, puedes imaginar esta imagen sucedánea como un retrato de una majestuosa mujer burguesa filtrada a través de la imaginación de Oppenheim.

Otras esculturas brindan sus propios placeres tentadores: un par de botas que se fusionan porque sus puntas están cortadas, un marco de hierro que contiene un par de senos esculpidos que se derraman, un vaso de cerveza lleno de espuma plástica y adherido con piel moldeada para parecer como una cola peluda. Incluso hay una pintura de frondas en bloques con algunos hongos adheridos al lienzo.

Para los menos aventureros, hay bastantes abstracciones que representan la luna, la vegetación y plantas de aspecto extraterrestre. Vistos de forma aislada, son demasiado similares a otros experimentos modernistas para diferenciarse. Pierden la marca.

Entonces, es bueno que hacia el final de su carrera, Oppenheim llevó su arte al reino único en el que solo ella podía ingresar, con un cuerpo de trabajo tardío que toca algo espiritual. Hay obras deliciosamente incognoscibles como Face in Cloud (1971), donde una nariz abstracta sobresale hacia el espectador desde una masa gris llena de bultos, y experimentos más extraños como Genevieve (1971), una escultura compuesta por una pieza de madera sin barnizar aumentada con dos -off polos que sustituyen a los brazos. Oppenheim había estado fascinado por Genevieve de Brabant, una figura de la tradición medieval que fue condenada al ostracismo después de que su esposo la acusara de engañarlo; la artista vio algo de sí misma en esta mujer mitológica. No parece exagerado imaginar que Genevieve también puede ser una especie de autorretrato.

Pero para aquellos que buscan un autorretrato más figurativo de Oppenheim, hay uno bueno que se acerca mucho al final de la retrospectiva del MoMA. Es una radiografía, tomada en 1964, que ofrece un vistazo al cráneo de Oppenheim. Se pueden ver los contornos de un collar que cuelga de su cuello, al igual que los contornos fantasmales de su nariz y boca. Dos pendientes de aro cuelgan de sus orejas invisibles. Todo está al descubierto aquí, pero Oppenheim aún se resiste al negarse a mostrar su rostro por completo. Cuanto más ves dentro de la cabeza de Oppenheim, menos sabes sobre lo que sucedió allí.