Cassette Cultura: Abril 2023

Aug 06, 2023

Cassette Culture es una columna mensual dedicada a explorar los diversos artistas que habitan el creciente mercado de casetes. Basándose en bandas y sellos discográficos de todo el mundo, esta columna intentará destacar algunos de los mejores artistas y álbumes de esta comunidad global.

Heejin JangMe y los Glassbirds (Doom Trip Records)

La productora coreana Heejin Jang se deleita con la manipulación del sonido, los impulsos mutantes de sus propios procesos creativos y las formas en que cambian entre sí. Su nuevo álbum, Me and the Glassbirds, es un retrato hermoso, sereno y, a veces, desgarrador de la expresión apocalíptica. A medida que el mundo que nos rodea parece disolverse aún más en la división y el caos, Jang utiliza atmósferas electrónicas brutales y tranquilas y elementos de percusión temperamentales para documentar el colapso social y emocional gradual que la rodea en un momento dado. Ella posee una habilidad desconcertante para aprovechar las gracias salvajes de sus instintos creativos, permitiéndoles espacio para vagar libres de restricciones o direcciones, incluso cuando los períodos de calma restauradora aparecen y se retiran sin previo aviso.

El álbum se resiste a cualquier enfoque convencional, se niega a adherirse a etiquetas de género formuladas o incluso permite muchas asociaciones concretas. Estos sonidos son más táctiles, más acordes con las experiencias físicas. Al fusionar sonidos familiares con aquellos claramente diseñados para desafiar nuestros sentidos, Jang nos pide que nos comprometamos con ella y la música de formas a las que no estamos acostumbrados, de formas que nos empujan a considerar su trabajo en sus términos en lugar de filtrarlos a través de los nuestros. comprensión. No es que se niegue a permitir la interpretación personal; ella es muy insistente en darle tiempo a la música para florecer dentro de su propio ecosistema, dejando afuera cualquier equipaje que podamos traer con nosotros. Nos guían a través de varios encuentros, cada uno más elusivo e hipnótico que el anterior, hasta que finalmente, cuando todo ha sido revelado, Jang nos invita a cuestionar todo lo que acabamos de presenciar.

Yo y los Glassbirds de Heejin Jang

Goodparley & ShreddiesBanda sonora y Marine(Superpolar Taïps)

Los cassingles están vivos y coleando en el mundo de Superpolar Taïps de Alemania, un pequeño sello que se centra en la música pop experimental. Durante los diversos bloqueos de COVID, el sello invitó a varios artistas a colaborar y contribuir a esta serie de cintas en curso. Para Soundtrack and Marine (Cassingle #31), reunieron al músico londinense Oli Richards (también conocido como Goodparley) y al artista galés Josh Dickins (también conocido como Shreddies) para crear dos pistas de electrólisis pop de ensueño. Mientras que Richards crea tonos hipnóticos a partir de bucles ambientales de guitarra y hardware de manipulación de sonido, Dickins moldea sonidos electrónicos en una serie de revelaciones diáfanas para la pista de baile.

"Soundtrack for a Hummingbird" y "Marine Blue" muestran las fortalezas de cada artista, con el primero pisando aguas melódicas más familiares y el último cayendo más profundo en circuitos más profundos. Se complementan a la perfección, extrayendo las complicadas historias que respaldan el trabajo de Richards e iluminando los impulsos sinápticos que alimentan el corazón de la música de Dickins. Soundtrack and Marine funciona como un punto de partida ideal antes de profundizar en la discografía de cualquiera de los músicos. Una realización sublime de la música pop que se inclina hacia la izquierda del centro, este lanzamiento te permite aferrarte a esa vertiginosa sensación de descubrimiento que solo surge cuando encuentras algo realmente especial que deseas compartir de inmediato con cualquiera que esté al alcance del oído.

Banda sonora y Marine (Cassingle #31) de Goodparley x Shreddies

Lámpara de trompeta Uton & Bardo TodolBday (Brillo empinado)

Algunos álbumes te permiten perderte por completo en sus extrañas maravillas, y ese es ciertamente el caso de Bday Lampazo Trompetam, la nueva colaboración en casete de Uton (músico finlandés Jani Hirvonen) y Bardo Todol (artista argentino Pablo Picco). Lleno de una variedad de instrumentos acústicos que suenan alrededor de algunas grabaciones de campo realizadas en Turku, Finlandia y Salsipuedes, Argentina, la cinta evoca vastas extensiones de tierra a la deriva en varios climas mientras manipulan estos sonidos para crear una vertiginosa variedad de respuestas emocionales. Cada canción se puede ver como escenas individuales en una película o instantáneas para hojear en un álbum de fotos.

Mezclando elementos de free jazz, musique concrete y algún tipo de estética folk fracturada, las canciones actúan como seres vivos, evidenciando exhalaciones respaldadas por corazones palpitantes y sentidos hormigueantes. Se mueven y florecen, se afirman y luego se retiran, la música no revela obediencia de género. Cuanto más se desciende a Bday Lampazo Trompeta, más salvajes y caleidoscópicas se vuelven las atmósferas, iluminando cómo los impulsos gemelos de Uton y Bardo Todol se complementan y se alimentan mutuamente. A medida que la última pista da paso al silencio, te queda la impresión de que has sido testigo de una representación auditiva de los reinos expansivos de la naturaleza, y estás ansioso por sumergirte una vez más lo antes posible.

Trompeta Bday Lampazo de Uton & Bardo Todol

Joseph Blane The Spider Room (Compañía de radiodifusión submarina)

The Spider Room de Joseph Blane es una experiencia auditiva desconcertante e inmersiva, una que no se olvida fácilmente, alojándose firmemente en su subconsciente para una investigación continua. Lanzado a fines del año pasado, solo ahora estoy descubriendo sus maravillosas rarezas, este lanzamiento de dos pistas asombra en sus improvisaciones, grabado en un edificio escolar abandonado y moldeado a partir de bucles de guitarra y cualquier instrumento que Blane encontró tirado en la sala de música desierta: " a saber, un piano de la vieja escuela, un violín desafinado, una flauta irlandesa sucia, una armónica maloliente, un glockenspiel roto y un huevo de percusión". Sobregrabando las partes de guitarra con interpretaciones improvisadas de estas herramientas musicales olvidadas, creó "Part I / Beneath the Dust" y "Part II / Above the Dust".

Estas dos piezas de formato largo actúan como declaraciones profundas sobre los sentimientos de abandono y la falta de preocupación por lo que dejamos atrás. Si esa fue la intención de Blane o no, está en debate, pero tengo la sensación de que el entorno descuidado dictó en gran medida la dirección de sus composiciones espontáneas. Estas canciones son espeluznantes, misteriosas, incluso un poco de banda sonora. Aún así, siguen siendo perspectivas convincentes sobre la creatividad situacional y odas a lo que se puede lograr cuando te entregas por completo a los dictados de la creación interiorizada. Blane puede haber dejado que la música lo guiara, pero The Spider Room se siente como una declaración singular de un artista en control total de todos sus instintos salvajemente impredecibles.

La habitación de las arañas de Joseph Blane

Mañana de depresión de arenas movedizas crónicas de Assassun (Blackjack Illuminist Records)

Bajo el disfraz de Assassun, el músico berlinés Alexander Leonard Donat se aventura en los territorios del synth-punk y euro-goth tan fácilmente como cruzar la calle. Su último álbum, Chronic Quicksand Depression Morning, es un monstruo EBM, lleno de ritmos ondulantes, voces gritadas y un deseo de explorar los contornos llamativos de la teatralidad del pop electrónico. Hay un poco de campamento en sus ritmos enfáticos, una sensación de picardía melódica que no se puede explicar del todo, pero es un espíritu siempre presente que guía estas canciones. Pero Donat no se regodea en la pompa o la opulencia innecesaria aquí: la música puede golpear como un martillo neumático y al mismo tiempo causar una buena cantidad de movimiento corporal espontáneo.

Tomando los ambientes sombríos de New Wave y permitiéndoles florecer en expresiones inexpresivas de disociación emocional, lleva estos sonidos a sus conclusiones lógicas (y a menudo extremas), dejándolos retorcerse y mutar sin tener en cuenta sus iteraciones finales. Escuchar estas canciones puede traer a la mente paisajes de cielo con rayas de neón y pistas de baile de clubes lúgubres llenas a las 2 am. Hay un movimiento constante que habita en estas pistas, una sensación de fisicalidad abierta que dirige la música para que se deslice hacia la médula de tus huesos. Todo lo que sé es que después de experimentar estas canciones, es probable que te sientas abrumado por un deseo irresistible de mover tu cuerpo a través de todo tipo de contorsiones, y hacerlo durante el mayor tiempo humanamente posible.

Mañana de depresión crónica de arenas movedizas de ASSASSUN

Ben HallWindbag (sonido medio)

Ben Hall ve nuestros pulmones como otro instrumento a través del cual puede canalizar un conjunto fascinantemente diverso de impulsos musicales. Todo comenzó con la respiración y Hall quiere centrarse en las capacidades de estos órganos. Su último proyecto, Windbag, es una pista única de casi 32 minutos de duración que se centra en las funciones de la exhalación. Hall explica: "Esta pieza se interpretó por primera vez en 2012 como parte de la clase 'Making Without Objects' de Rirkrit Tiravanija en la Universidad de Columbia. La grabación de este lanzamiento es una combinación de una grabación durante esa clase, así como una actuación en MOCAD, Museo de Arte Contemporáneo Detroit, en 2015". Una expansión ambiental e impresionista que profundiza en temas de inducción al trance e iniciación kosmiche, el álbum es una afirmación artística sorprendente y convincente.

Se observa mejor con los ojos cerrados y los sentidos en sintonía con sus frecuencias nativas, Windbag te lleva a lo alto a través de sus tonalidades zumbantes y busca una conectividad emocional primaria. "La composición 'Windbag (for 36 sets of Lungs)' es una respuesta a la pregunta de cuál es el proceso de creación de sonido más accesible entre culturas y habilidades. La respuesta es la respiración", revela Hall. A través de estos ritmos repetitivos y ecos murmurantes, descubre un nuevo lenguaje musical, que opera en una escala sensorial. No solo escuchas a Windbag; vives tu camino a través de sus sinuosos contornos rítmicos, encontrando revelación a medida que cada momento se desenrolla y rebobina antes de finalmente desvanecerse en la nada.

Bolsa de viento de Ben Hall

OhrLuma/Chroma (Sonido como idioma)

El trabajo del artista con sede en Berkeley George Cory Todd es un tributo al amplio espectro de la producción digital, lo que le permite explorar todos los aspectos de la producción, la ingeniería y el rendimiento visual y de audio. Al grabar como Ohr, Todd rompe las barreras que separan el ambient, el dub, el techno e incluso el jazz, creando un sonido tan rico en detalles como inclasificable. Con el lanzamiento de Luma/Chroma, evita aún más los enfoques conocidos de la música experimental y empapa todo en galones de nerviosismo de drum 'n' bass. Estas canciones resuenan y resuenan dentro de un espacio muy reducido, de enfoque estrecho pero de interpretación expansiva.

Los tempos varían enormemente, consistentes en su liquidez al tiempo que ofrecen la oportunidad de explorar profundidades emocionales poco comunes en el género (o mezcla de géneros). Desde la simple percusión metronómica y los escalofríos electrónicos hasta la formación de paisajes sonoros sin forma que exhalan una soledad considerable, Todd ofrece una mirada convincente a la complejidad de este ruido sin calibrar. Ya sea que te sientas como si estuvieras caminando por las entrañas de un gran artilugio mecánico o sudando tus inseguridades en una pista de baile oscura y cacofónica, Luma/Chroma no te limita a una circunstancia mientras te encierra en sus ritmos. Estas canciones nacen sin esfuerzo a partir de diversos grados de movimiento y retroceden a esas subestructuras transitorias con la misma facilidad.

Luma/croma de Ohr

Joanna Mattrey Soulcaster (grabaciones de aviso)

Los sonidos que puede crear una viola son asombrosos, solo pregúntele a John Cale, o alternativamente, pregúntele a la compositora de Brooklyn Joanna Mattrey. Su dominio y simbiosis con este instrumento le ha permitido conjurar grandes franjas de sonido que perduran como dimensiones paralelas de tacticidad auditiva. En su último álbum, el fracturado y desgarrador Soulcaster, prácticamente desmonta el instrumento y lo vuelve a montar como mejor le parezca. Junto con una tromba marina (un instrumento de arco triangular al que a veces se hace referencia como trompeta marina o violín de monja), crea y luego filtra estos sonidos a través de varias preparaciones que involucran espuma de poliestireno, juguetes de plástico, cadenas y otros objetos no identificados, desarrollando una perspectiva tanto reverente de sus orígenes pero también totalmente dedicado a la deconstrucción de esos mismos ancestros.

Con un título tomado de la serie de libros de Brandon Sanderson The Stormlight Archive, que define "lanzador de almas" como algo capaz de transformar una cosa en otra, tiene sentido que Mattrey trate a su viola de la misma manera. A veces, suena como si estuviera invitando a entrar en las fauces cavernosas de alguna monstruosidad mecánica, engranajes chirriando y mecanismos internos girando de forma asíncrona; alternativamente, hay momentos en los que emerge una belleza áspera, una gracia terrible e inquietante que se eleva por encima del ruido del subconsciente de Mattrey. El álbum se convierte menos en un ejercicio de técnica estricta y más en un experimento sobre cómo eliminar las expectativas musicales y redefinir los parámetros de un instrumento musical determinado.

Soulcaster de Joanna Mattrey

Grabaciones de Evan Lindorff-ElleryChurch de Monhegan (Full Spectrum Records)

En el verano de 2021, el copropietario y músico experimental de Notice Recordings, Evan Lindorff-Ellery, visitó a su familia en Maine y, mientras estuvo allí, acampó en una isla de Monhegan frente a la costa, donde visitó la Iglesia Comunitaria de Monhegan. Desarrolló una fascinación con este espacio físico y decidió documentar sus experiencias allí. Viniendo en la forma de Church Recordings de dos pistas de Monhegan, Lindorff-Ellery creó estas composiciones de formato largo para permitirnos escuchar lo que escuchó, para sentir lo que sintió. Usando lo que tenía a mano para involucrarnos aún más en la atmósfera de la iglesia, empleó conchas de almejas, cristales de mar, libros, un tambor de marco, una guitarra acústica, un piano pequeño, eslabones de metal, madera, plástico e incluso sus propios movimientos corporales para detalle el espacio de una manera que resuene en una longitud de onda puramente emocional.

Hogar de "Evening" y "Morning", el álbum utiliza ciclos naturales como parte de su creación. "Evening" se grabó mientras caía la lluvia y la luz se desvanecía, dándole un sentimiento elegíaco, de recuerdos y experiencias que se pierden en el pasado. A menudo no es más que un susurro, la pista es un atisbo de un entorno cautivador suspendido, inmóvil por nuestra atención y compromiso. "Mañana", como habrás adivinado, se grabó a la mañana siguiente cuando la luz del sol temprano brillaba a través de las ventanas de la iglesia. No se aleja demasiado de la pista anterior en términos de sus movimientos sutiles, pero exhibe una sensación de renovación y comienzos, de pequeños momentos que anuncian eventos dramáticos por venir. Church Recordings from Monhegan es magnífico e increíblemente matizado en su ejecución, pero aún presenta un mundo completamente formado para que exploremos e investiguemos.

Grabaciones de la iglesia de Monhegan por Evan Lindorff-Ellery

Agnes HausSecuela(Opal Tapes)

La artista audiovisual con sede en Brighton Agnes Haus tiene afinidad por los equipos musicales analógicos y el diseño gráfico, y encuentran tiempo para disfrutar de sus afectos creativos mientras crean varios paisajes electrónicos fracturados y construyen imágenes pictóricas tanto eufóricas como bellamente desgarradoras. Para su álbum debut, ofrecen Sequel, una colección de 10 pistas de ruidos atmosféricos que se equilibran entre cavilaciones más melódicas y aquellas que no poseen marcos rítmicos conocidos. El minimalismo y algo parecido al electro-pop astillado son los cimientos aquí, con Haus invitando a adivinaciones conflictivas y simpáticas que hablan de la maleabilidad emocional inherente de la música.

Ya sea que aparezca como banda sonora de una película muda gótica o forme una meditación auditiva sobre la desorientación mental interna, Sequel no se esfuerza por proporcionar respuestas: descubre preguntas que aún tenemos que responder y exige que consideremos las posibles vías a través de las cuales se pueden encontrar las respuestas. . Todo el álbum se siente un poco como una prueba de Rorschach, un patrón impresionista gigante diseñado para probar nuestra agudeza musical y asociaciones emocionales. Puedes sucumbir al éter a sus ritmos hipnotizantes (ya menudo aberrantes) o involucrarte con ellos, trabajando para descubrir los mecanismos internos que impulsan estos sonidos hacia adelante. Aquí no hay lugar para la observación pasiva; participas, o la música te deja atrás sin ni siquiera una segunda mirada.

Secuela de Agnes Haus

Divisor de haz, mandíbula dividida (cintas tripticks)

Beam Splitter es el método a través del cual los músicos Audrey Chen y Henrik Munkeby Nørstebø utilizan voz amplificada, trombón y electrónica analógica al servicio de sus impulsos musicales en constante espiral. En su último lanzamiento en cinta, Split Jaw, el dúo ofrece material de estudio y en vivo, combinando el minimalismo que distorsiona la realidad de "Purple Mouth", desarrollado como parte del proyecto "OMA", con el apoyo de Initiative Neue Musik Berlin, con el improvisación en vivo de "Breastbone" y "Down to Rock and Up to Fire", grabado en el Festival Music Unlimited en Wels, Austria en noviembre del año pasado. Estas tres pistas muestran la habilidad de la banda para la experimentación conceptual, para convertir los sonidos disociativos en algo revelador y que necesita más análisis.

Pero hay más en Split Jaw que solo evaluaciones clínicas: la música le permite explorar sin tener en cuenta las historias de género, lo que le brinda total libertad para abordar la música en sus propios términos. Justo cuando el silencio de un momento dado aquí se vuelve insoportable, escuchas un leve destello de movimiento, un sonido asustado desde el borde de tu conciencia, que no es más que un susurro. Y aún así, ese susurro contiene multitudes. Ya sea en el estudio o en algún escenario improvisado, Chen y Nørstebø hacen uso de esta austeridad rítmica/arrítmica, dando voz a sus creatividades gemelas a través de este ruido maravillosamente fragmentado. Es a la vez desafiante y atractivo, un enigma auditivo que espera ser resuelto, listo para ofrecer una última pista sobre lo que impulsa a estos dos artistas a crear estos entornos abstractos.

Split Jaw por Beam Splitter

Spherule TrioSiempre habrá instrumentos(Orb Tapes)

Formado por Patrick Shiroishi al saxofón, Kevin Sims a la percusión y Lucas Brode a la guitarra (y destornilladores, aparentemente), Spherule Trio hace música que oscila entre la improvisación directa y la espontaneidad guiada. There Will Always Be Instruments en su álbum debut, grabado de forma remota a lo largo de 2021 y ahora disponible a través de Orb Tapes. Las canciones se construyeron poco a poco, con cada músico agregando lo que se le enviaba, bajo la dirección de varias ayudas visuales que se usaban como señales de cómo debería evolucionar la música. Había un camino general establecido, pero todos los sonidos fueron improvisados, lo que resultó en un conjunto de 4 pistas que oscila entre episodios caóticos de experimentación y momentos que se sienten restringidos e incluso introspectivos a veces.

Caer en los abismos ruidosos de estas canciones es abrazar la naturaleza fracturada de las inspiraciones colectivas de los artistas, rodearse de un vasto entramado de ritmos que chocan y catarsis emocionales conflictivas. El saxofón de Shiroishi gorjea, toca la bocina y susurra, mientras que Sims crea una atmósfera estruendosa de advertencias de percusión astilladas. Brode interpone un poco de agitación necesaria, colocando distancia entre cada persona, permitiendo que nadie permanezca en el centro de atención durante un período prolongado de tiempo. Estas canciones tienen que ver con la colaboración, no con el individualismo: There Will Always Be Instruments analiza con curiosidad los impulsos creativos detrás de la música, deleitándose con la interacción de cada persona, aspirando a descubrir los misterios ocultos que alimentan su deseo de crear.

Siempre habrá instrumentos de Spherule Trio

LionmilkIntergalactic Warp Terminal 222 (Dejar registros)

Para el músico y productor de Los Ángeles, Moki Kawaguchi, la música no es solo una colección de sonidos aleatorios o sincopados, es una forma de examinarnos a nosotros mismos y de trabajar con los problemas que afectan nuestra calidad de vida. Este tipo de atención está impreso en su trabajo. Solo mire I Hope You Are Well de 2021: Kawaguchi entregó en mano copias en casete a sus seres queridos como una forma de conectarse con ellos a medida que avanzaba la pandemia. Era su forma de mantener las relaciones en un momento en que aún prevalecían las ideas de distancia social y ocupaciones remotas. Anhelaba el tipo de curación que solo puede provenir de sensaciones táctiles, asociaciones emocionales comunitarias y la reunión de cuerpos en una inclinación común.

Al asociarse con Leaving Records, recientemente compartió Intergalactic Warp Terminal 222, otro lote de ambiente cósmico que se enfoca en el desarrollo personal y la curación. Al hablar de su música, Kawaguchi explica que su creación es una forma de autocuidado, que este acto de expresión proporciona una medida de tranquilidad en la que puede tomarse un tiempo para evaluarse y reorientarse. Cabalgando olas de serenidad electrónica construida sobre los cimientos de otros géneros menos obvios (jazz, hip-hop), estableció estos sonidos como árbitros emocionales, conductores para la redirección interna y anfitriones de vastos depósitos de revelaciones complicadas. No tiene miedo de profundizar en la naturaleza a menudo bizantina de nuestras experiencias recopiladas, y este álbum revela que las respuestas que estamos buscando bien podrían descansar dentro de los complejos contornos de nuestro propio subconsciente.

Intergalactic Warp Terminal 222 de Lionmilk

EmerSea Salt (Lillerne Tapes)

El proyecto Emer, con sede en Bruselas, es una creación de la música lituana Marija Rasa, una autora musical cuyo trabajo explora elementos de espacialización sonora, textura y fragilidad. Estudió en el Instituto de Sonología de La Haya y ha continuado experimentando con sonidos acusmáticos e instalaciones multicanal. Delicados pero imbuidos de una enorme resonancia emocional, los paisajes auditivos que crea son intrincados y llenos de la alegría de las infinitas posibilidades de la vida. Su último álbum bajo el apodo de Emer, Sea Salt, es un breve desvío hacia el mundo sin fronteras del minimalismo electrónico y pop: las voces bailan en el fondo mientras los ritmos hipnóticos se desplazan a través de mundos sin forma de forma e intención indeterminables, y todo es tan hermoso.

A menudo demasiado dinámicas para ser etiquetadas como simplemente ambient, y demasiado transparentes en su ejecución para soportar el peso de la historia del pop, estas canciones existen como una joya prismática de dimensión incognoscible. Se describen como "grandes melodías entregadas con cuidado y mucha consideración", y en esa evaluación (con una salvedad), estoy de acuerdo. Aclararía que son "grandes" en alcance emocional y menos en cuanto a cualquier teatralidad abierta. Esta música no llama la atención por sí misma; no intenta golpearte con realizaciones concretas. En cambio, Rasa ha dado forma a una galaxia de paisajes sonoros que se balancean suavemente en los que las voces se dejan vagar a través de nebulosas de melodía amorfa mientras nos involucramos con un deseo persistente de hundirnos más en estos espacios celestiales.

sal marina de emer

Cuarteto Clang Una muerte lenta para el pacificador (Strange Mono / No Rent Records)

El músico outsider de Carolina del Norte, Scotty Irving, ha hecho carrera demoliendo los muros que a menudo existen y que separan a la audiencia de un intérprete, así como cualquier noción de que la música está limitada en su alcance o resonancia emocional. En el pasado, Irving ha utilizado letreros de calles como percusión, herramientas de jardín de metal como instrumentos y una máscara como vehículo para pequeñas campanas. Al grabar como Clang Quartet, ha abandonado durante mucho tiempo los medios tradicionales de creación a favor de utilizar todo lo que tenía al alcance de la mano. Continuó haciendo este ruido tras ser diagnosticado con cáncer, y A Slow Death For The Peacemaker es el resultado de esa búsqueda sostenida de autenticidad musical, una colección de cuatro temas que oscilan entre el ruido industrial y la intensa deconstrucción personal.

A pesar de lo desgarradoras y metálicas que pueden ser estas canciones a veces, Irving nunca pierde de vista el hecho de que debe haber emociones identificables que impulsen estas mutaciones musicales. Y a través de esta masa caótica de notas y perspectivas sesgadas hay ríos de ira, frustración, incertidumbre y arrepentimiento, y estas expresiones se sienten particularmente abiertas y crudas, ya que surgen a raíz de su reciente revelación de salud. Hay olas que se elevan y rompen a través de tus sentidos, poderosas corrientes que amenazan con arrastrarte hacia el mar, y no hay mucho que hacer más que entregarte a sus fuerzas de marea. El olvido viene con cada oleada renovada, al igual que el deseo opuesto de resistir su infinito ennegrecido. No está claro qué le depara el futuro a Clang Quartet, aunque Irving se mantiene optimista sobre el futuro. Lo que está claro es que estas canciones son documentos de su tiempo que se prepara contra el vacío, mirando más allá de su interminable reflejo oscuro para descubrir esperanza y tal vez incluso un camino a seguir.

“Una muerte lenta para el pacificador” (NRR163) de Clang Quartet

Hellsent & BatsauceJIMI FLOSS (Icy Palms Records)

El rapero de Chicago Hellsent y el productor Batsauce se combinan perfectamente en su cautivador nuevo álbum, JIMI FLOSS, una inmersión profunda en la historia de Windy City y una amarga experiencia personal. Las canciones poseen una inmediatez que es tan sorprendente como su brevedad. Las muestras zumban dentro y fuera del alcance del oído, respaldadas por ritmos minimalistas y las narrativas conversacionales de Hellsent. El mundo es un lugar oscuro en JIMI FLOSS, pero hay momentos de luz que atraviesan la oscuridad siempre presente. Hellsent, que suena como un socio desaparecido de Wu-Tang Clan o un acólito de MF Doom, ataca estos bares de frente, dejando ruinas humeantes a su paso. Abundan los fragmentos de piano y guitarra jazzísticos, interrumpidos por muestras aleatorias y colisiones rítmicas calibradas por expertos. También hay ecos del alma distantes esparcidos aquí, que ofrecen breves vislumbres de las influencias de Batsauce y las formas en que agrega sus procesos creativos.

Pero, ¿quién es Jimi Floss? ¿Es un sustituto de Jimmie Watkins (el hombre detrás de Hellsent) o alguien que personifica los eventos de su vida y la de Batsauce? Cualquiera que sea la verdad, este álbum está lleno de arrepentimiento, ira y el deseo de derribar todos los sistemas que funcionan en contra de quienes viven en la periferia de la sociedad. Estas canciones rugen con una honestidad incendiaria forjada al servicio de una amargura más amplia nacida de la experiencia personal. Deja que todo se queme y mira lo que surge de las cenizas. Aún así, a pesar de todo el sentimiento cáustico y los fragmentos ocasionales de fanfarronería, todavía dejan espacio para una apariencia de esperanza, una conexión emocional con la comunidad y las personas atrapadas en su gravedad. Las cosas están rotas, pero Jimi Floss podría ser la persona que pueda arrojar luz sobre estas desigualdades y exigir justicia para aquellos cuyas voces no se escuchan.

JIMI FLOSS de Hellsent & Batsauce

Perro podridoCrazy Monster (Hidden Bay Records)

Chien Pourri comenzó en 2019 cuando los músicos franceses Maud Cazaux e Iso Couderd comenzaron a desarrollar canciones basadas en su afecto compartido por artistas como Portishead y Nico. Combinando paisajes etéreos con austeros ritmos pop electrónicos, se entregaron a su deseo de explorar atmósferas oscuras y sutiles, que culminaron con la grabación y el lanzamiento de su álbum debut, Monstre Folle. El álbum puede ser duro y laberíntico en su belleza, lleno de maravillas ambientales y momentos de caos melódico discordante: es completamente experimental en sus ambiciones, pero aún mantiene su corazón pop extasiado (aunque a menudo colapsado). Suena como si las canciones estuvieran en un estado de cambio constante, con Cazaux y Couderd todavía tratando de descubrir la mejor manera de avanzar mientras trabajan en ellas.

Pero esto no da como resultado un sonido que parezca vacilante o inseguro de sí mismo; en cambio, este sentido de espontaneidad funciona a favor de la música, agregando más complejidad a las melodías que actúan como reguladores emocionales independientes. "Caliban" vira entre un ambiente fracturado y entonaciones pop severas, mientras que "La Nuit" desarrolla y mantiene una fluidez pop bruñida, una neblina mercurial de tonos suaves y revelaciones suaves. "Yellow Sands" es un artefacto pop ligeramente ruidoso, y "Tempest" se eriza con zumbidos y logra una especie de trascendencia a través de estos lanzamientos ciclistas. Estas cuatro pistas permiten a Cazaux y Couderd proporcionar un amplio espacio para que la música florezca, se expanda, se contraiga y se desvanezca en la distancia, una realización de la necesidad constante de adaptación y movimiento sin restricciones de la música.

Monstruo loco de Chien Pourri

ABADIRMELTING (ahogado por lugareños)

¿Cómo reconciliamos las promesas del capitalismo con la forma en que consume personas, ideas y culturas sin ofrecer mucho en la forma de intercambio? ¿Por qué vemos los "buenos viejos tiempos" a través de lentes color de rosa? ¿De qué nos lamentamos exactamente, de cómo fue en realidad, o de alguna noción preconcebida de optimismo juvenil distanciado de la realidad? Presentado como parte de la tesis de maestría de Rami Abadir en la Universidad de las Artes de Bremen, Melting es un álbum que sugiere que cualquier idea positiva de la nostalgia capitalista es inherentemente defectuosa. Combinando cientos de muestras de archivos de televisión y radio, comerciales, películas y otros reservorios variados de cultura pop, el examen extenso de ABADIR de la obsesión de las personas con algún pasado glorioso es particularmente relevante ahora que los políticos y otras personas influyentes piden un regreso a lo "tradicional". valores y costumbres sociales.

Al excavar a través de un grupo de experiencias y recuerdos colectivos, busca recuperar nuestro control sobre lo que el pasado realmente representa y cómo hemos intentado ir más allá de sus perspectivas limitadas. Él construye este enorme panorama auditivo como si cada muestra fuera un instrumento, utilizando cada uno en su máximo potencial al servicio de una declaración de intenciones más amplia. Hay mucha oscuridad aquí, pero no sin humor o algún destello de luz ocasional. Después de todo, el pasado no es una bestia que lo devora todo, pero debe verse sin anteojeras oa través del sesgo de la reminiscencia personal, despojado de sus nociones románticas. Lo que ABADIR logra en Melting es nada menos que notable, una mirada honesta a las cosas que dieron forma a nuestro mundo y que continúa vendiendo cierta medida de influencia. Es un artefacto histórico de importancia que desafía nuestra percepción de nuestras propias historias colectivas.

FUSIÓN de ABADIR

PaszkaLapton(Gin & Platonic)

El músico de Cracovia Szymon Sapalski ha estado manipulando sonidos durante mucho tiempo. Habiendo lanzado previamente álbumes bajo su apodo de Rużaw, así como otros proyectos experimentales, ve los movimientos inquietos y los tic nerviosos de sus composiciones electrónicas como longitudes de onda para explorar y desmantelar. Los ritmos de baile nerviosos y los tonos hiperpop con fallas se sacuden y se estremecen en relativa sincronicidad, lo que le da la oportunidad de deleitarse con sus energías nerviosas. Su último álbum como Paszka, Lapton, un juego sobre la forma en que su abuela escribía mal la palabra "laptop", injerta elementos de la música pop moderna en una serie de observaciones de circuitos fracturados que tienden a permanecer en constante movimiento independientemente de las propias órdenes de Sapalski.

Los tempos varían, pero hay una naturaleza inconfundiblemente bailable en estas grabaciones. Por supuesto, algunos pueden causar lesiones corporales si intentas igualar su ritmo, pero la intención de causar algún tipo de respuesta física es evidente en las calamidades rítmicas iniciales de "jade", una pista que nos introduce en este mundo sin intentar inocularnos de las expulsiones maníacas de la pista de baile inmediatamente en exhibición. La música actúa como un aluvión de sentidos, chocando contra ti en una expresión creativa sin filtrar. Todo se fragmenta y luego se reforma, coherente pero deliberadamente obstinado en revelar demasiado de sus intenciones. Lapton actúa como una corriente de conciencia de Sapalski, una enérgica afirmación electrónica de la capacidad de la música para inducir sensaciones táctiles, así como catarsis emocionales volátiles.

lapton de paszka

MicrodeformReevalúe las prioridades de su vida (Biblioteca líquida)

A mediados de 2020, muchos músicos descubrieron que tenían mucho tiempo libre debido a los bloqueos continuos que rodearon la entonces furiosa pandemia de COVID, incluido Liam McConaghy, el arquitecto detrás del equipo de ruido experimental Microdeform. Mirando hacia atrás a través de su archivo de material inédito, decidió pasar ese tiempo de inactividad cotejando y compaginando fragmentos perdidos de efímeros musicales y canciones flotantes. El álbum resultante, Reassess Your Life Priorities, es una especie de mixtape suelto, que reúne diferentes períodos en la vida de McConaghy (extrayendo grabaciones de 2008-2016) y creando un registro auditivo de los diversos afectos y fascinaciones musicales que exploró durante esos años.

El proceso de revivir estas canciones antiguas se volvió algo terapéutico para él, lo que le permitió reflexionar sobre su singularidad y al mismo tiempo ver cómo funcionan en un contexto más colaborativo. Ya sean sobras de sesiones de álbumes anteriores o fragmentos de presentaciones en vivo, la capacidad de McConaghy para unir estas piezas sin perder la cohesión general es casi increíble. Vagando de un momento a otro, nunca adivinarías que estos sonidos fueron extraídos de diferentes momentos de su vida, tal es su consistencia musical. Se desliza entre bucles ambientales alegres, reverberaciones intuitivas en la pista de baile y subestructuras melódicas más disonantes, sin perder nunca de vista los temas generales de reinvención y adaptación que se entrelazan a lo largo del álbum.

Reevalúe sus prioridades de vida por Microdeform

YuppyCritical Hit (Cintas y registros ya muertos)

Equilibrando su atención entre los intereses enredados del rock y el experimentalismo más ruidoso, la banda de St. Louis Yuppy no es ajena a los riffs desiguales y los ritmos desordenados, abrazando a los dos en su búsqueda de entornos más estridentes en los que vender sus colaboraciones complicadas. Compuesto por el cantante y guitarrista Tom Gnau, el bajista Jim Geoffrey, el cantante y guitarrista Anthony Patten y el baterista Michael Highfill, la banda se define por sus procesos cooperativos, dando a cada miembro una voz sobre cómo evolucionan y se expresan sus canciones. Su último lanzamiento, el EP de 3 pistas Critical Hit, es a partes iguales anarquía psicodélica, tenacidad de rock duro y melodismo pop abrasador adornado con riffs apocalípticos. Es una mirada estridente y extrañamente reverente a sus influencias y la forma en que filtran esas inspiraciones en una mezcla cáustica de armonías de hierro forjado y un caos musical turbulento.

"MULTI PASS" es un ejemplo perfecto de cómo la banda crea un equilibrio entre los aspectos más escarpados de su trabajo y aquellos que tienden hacia lo más melódico, siendo también lo que espero sea una referencia pasajera a The Fifth Element. Las guitarras suenan corrugadas y musculosas, incluso cuando parecen romperse a mitad de la canción. "No" se sumerge de nuevo en una frenética explosión de guitarra, y finalmente se instala en un boyante swing de pop-rock antes de dar la vuelta y dejar paisajes arruinados a su paso. Cierran el EP con "Ear Drummer", una pista que se remonta a la estética angular del post-punk, mezclando líneas vocales altísimas con riffs grandilocuentes y un ambiente de fondo estático. Si está buscando el punto de entrada perfecto a su teatro de rock maravillosamente ingobernable, solo escuche Critical Hit y sepa que pasará mucho tiempo en su órbita.

Golpe crítico de Yuppy

ABADIRAgnes HausYa Dead Tapes and RecordsAssassunBardo TodolBatsauceBen HallBlackjack Illuminist RecordsChien PourriClang QuartetDoom Trip RecordsDrowned By LocalsEmerEvan Lindorff-ElleryFull Spectrum RecordsGin & PlatonicGoodparleyHeejin JangHellsentHidden Bay RecordsIcy Palms RecordsIFS MAJoanna MattreyJoseph BlaneLeaving RecordsLillerne Tapes LionmilkLiquid LibrarySonido medioMicrodeformaNo Rent RecordsNotice RecordingsOhrOpal TapesOrb TapesOutlinesPaszkaShreddiesSound as LanguageSpherule TrioSteep GlossSubmarine Broadcasting CompanySuperpolar TaïpsTripticks TapesUtonYuppy

Entusiasta de la música y obsesivo del vinilo. A menudo entra en detalles sobre su amor por X-Ray Spex y Bee Gees para completar extraños. Probablemente sabe menos de música de lo que cree.