Reseña: Puede que el arte de Keith Haring no sea para todo el mundo, pero es

Nov 15, 2023

En la primavera de 1989, justo después de cumplir 31 años y unos 10 meses antes de morir, Keith Haring dibujó un autorretrato con tinta negra sobre papel blanco. Dice mucho sobre la forma en que abordó su trabajo, tanto como motivación como tema.

Excepto como camiseta, el dibujo del autorretrato de un icónico artista gay de una década envuelta en una virulenta guerra cultural conservadora no está incluido en "Keith Haring: Art Is for Everybody", la gran encuesta (unas 120 obras) recién abrió en el centro de Broad y llegó justo a tiempo para la celebración del Mes del Orgullo LGBTQ+. Pero una de varias versiones aparece al comienzo del catálogo de exhibición grande y muy útil. La imagen está representada con una gran economía de líneas, apenas unas dos docenas de trazos rápidos. Haring delineó su cabeza ovalada, el moño sobre una línea de cabello en retroceso, un par de orejas prominentes y ojos que miraban desde detrás de los anteojos de montura negra.

Justo debajo de las gafas hay dos marcas simples que se combinan para animar maravillosamente todo el rostro. Una es una curva ascendente, la otra justo debajo es un punto.

Visualmente, estas dos marcas faciales se leen de dos maneras diferentes: como una nariz sobre una boca haciendo una expresión de sorpresa, como si pronunciara un "¡Oh!" inesperado; o, visto de otra manera, como una sonrisa que ha estallado sobre un mentón prominente con hoyuelos. El resultado es en parte caricatura carnavalesca y en parte cara sonriente genérica. Un Haring con los ojos muy abiertos se representa a sí mismo asombrado y feliz a la vez.

Lo que le hace feliz es ser artista, supongo. Eso también podría sorprenderlo a él.

La biografía de Haring es bien conocida. Criado en el pequeño Kutztown, un distrito rural de Pensilvania a unas 100 millas al oeste de la ciudad de Nueva York, se matriculó en una escuela de artes comerciales de Pittsburgh a los 18 años. Pronto, cansado de las demandas mercantiles convencionales sobre la creatividad, renunció. Apenas tenía 20 años cuando llegó a Manhattan, la inscripción en la libre Escuela de Artes Visuales y el juego en una floreciente vida nocturna del centro de la ciudad lo pusieron en un nuevo camino. Salió del armario, participó en espectáculos en la próspera escena del arte alternativo (incluso en discotecas) y se hizo amigo de artistas afines como Jean-Michel Basquiat y Kenny Scharf.

En 1980 se produjo un gran avance: un "¡Oh!" momento, el primero de muchos.

Como pasajero habitual del metro, Haring notó las grandes hojas en blanco de papel negro mate empleadas para cubrir temporalmente los paneles publicitarios no utilizados. Durante los viajes por el subsuelo urbano, comenzó a dibujar sobre ellos con tiza blanca, convirtiendo los pasillos del metro en una especie de galería pública gratuita. Aunque lejos de los lustrosos showrooms de los establecimientos de la calle 57, la avenida Madison o el Soho, los dibujos también ocupaban espacio comercial. Pero no estaban pregonando nada más que sus propias imágenes exuberantes.

Llame a los dibujos del metro una apropiación perspicaz, una que reconcilió sus diversas experiencias en Pittsburgh, en SVA y en el Club 57 en St. Mark's Place, dirigido por la artista y actriz Ann Magnuson.

El otro "¡Ay!" los momentos tienen que ver con el tema: jadeos de alegría, furia, decepción, cautela y más cuando se trata de las condiciones sociales de la década de 1980 en el país y en el extranjero. Algunos dieron protagonismo a la diversión placentera, como el uso de pinturas Day-Glo llamativas que interrumpirían el silencio contemplativo de una galería de arte típicamente silenciosa con la vívida exuberancia que se encuentra en la pista de baile liberadora de un bar gay repleto. Otros eran sobrios: imágenes vinculadas a la represión política, la amenaza perpetua de la aniquilación nuclear, la crueldad del apartheid, la codicia de la era Reagan, la guerra cultural incitada por el odio de la derecha religiosa, la apatía hacia la explosión de la crisis del SIDA y más.

Varios de estos temas, demasiados, siguen siendo urgentes hoy. El VIH, el virus que causa el SIDA, por ejemplo, fue identificado hace 40 años el mes pasado; pero todavía no hay una vacuna. (Una pintura de Haring de 1989 explícitamente inacabada es una declaración conmovedora de pérdida inminente). La muestra se caracteriza por una relevancia temática notable, aunque el arte se realizó hace casi cuatro décadas.

En el Broad, la curadora Sarah Loyer ha agrupado las obras por temas, empapelando virtualmente muchas de las 10 galerías, del suelo al techo. La muestra se centra en unos siete años productivos, de 1982 a 1989. Durante una vista previa de prensa, ninguna de las obras de arte estaba etiquetada todavía (ahora lo está), lo que hizo que las referencias cruzadas fueran en gran medida imposibles. Pero la actualidad, junto con una carrera cuya brevedad trágica no permitió un desarrollo formal sustancial, crea una distorsión del tiempo que resuena con la estética de Haring. Su trabajo une repetidamente la historia antigua con un estilo pop perdurable.

Haring hizo dibujos lineales sin inflexiones casi exclusivamente de glifos y pictografías, como el arte rupestre paleolítico con un borde urbano agitado. El dibujo describe casi todo en la exposición, ya sea ejecutado con tinta o pintura sobre papel, lonas de ferretería, lienzos ocasionales o incluso algunas vasijas de barro. Haring era un artista gráfico, de principio a fin.

Incluso muchas de sus esculturas, generalmente las obras más débiles de su prolífica obra, están compuestas de planos planos bidimensionales de madera o acero que se cruzan para que puedan mantenerse en pie en tres dimensiones, la más rudimentaria de las estructuras. Otros se basan en objetos encontrados producidos comercialmente, como imitaciones cursis de fibra de vidrio de la Estatua de la Libertad o una columna corintia, adecuadas como decoración de restaurante griego o italiano de bajo presupuesto. El dibujo es el medio conceptualmente más inmediato, que pasa directamente del cerebro a la mano ya la hoja; pero las formas escultóricas a menudo engorrosas de Haring ralentizan visualmente la propulsión que mantiene su mejor trabajo en alza.

Parte de ella es astutamente divertida, aunque delgada, como las invocaciones ocasionales del poder piramidal de la Nueva Era. Una pintura ingeniosa muestra un par de triángulos azul cobalto contiguos que vibran visualmente contra un fondo de mandarina, coronados por una explosión de marcas de pincel radiantes. La forma de diamante, pintada sobre una mesa redonda de fórmica, se mueve entre la descripción de una pirámide y una servilleta educadamente doblada. Otro trabajo agrega platillos voladores flotando cerca, un guiño satírico al truco pseudocientífico de un antiguo imperio egipcio construido no por seres humanos esclavizados sino por extraterrestres que llegan en ovnis.

Las imágenes de Haring, como su autorretrato, a menudo abarcan productivamente las contradicciones internas. Tome su famoso perro ladrando. El dibujo de contorno enérgico de un torso cuadrado, un hocico y extremidades, todo rematado por un par de orejas puntiagudas, registra a un animal que es a la vez el mejor amigo del ser humano y un símbolo amenazante del poder autoritario.

Uno de los dos paneles de dibujos animados en un gran trabajo en tinta sobre pergamino muestra figuras que se alejan corriendo de un perro que les ladra los talones. El otro panel muestra figuras que saltan enérgicamente sobre la bestia que ladra, y su amenaza gruñona se muestra ineficaz. Los perros que ladran rara vez muerden, como dice el refrán, y Haring representa la virtud de una fuerte resistencia a la intimidación.

Una obra como esta refleja a los dos artistas posiblemente más importantes para Haring. Walt Disney llevó el manicomio de los dibujos animados a un alto nivel para el consumo masivo. Y los perros de presa que gruñen recuerdan las impactantes fotografías de las noticias de Birmingham, tomadas por Charles Moore, que Andy Warhol convirtió en serigrafías para hacer sus pinturas "Race Riot".

"Haring, Warhol, Disney", una importante exposición de 1992 en el Museo de Arte de Phoenix, trazó esas influencias, que el artista reconoció directamente en pinturas que muestran una figura excéntrica con orejas de Mickey Mouse que sobresalen de debajo de la salvaje peluca de Warhol. De manera reveladora, la alegre figura híbrida, apodada Andy Mouse, también modela los anteojos gruesos con montura negra que usó Haring. Estas pictografías, como la caricatura de la cara sonriente, también son autorretratos.

El subtítulo de la exposición Broad, "El arte es para todos", era un mantra de Haring y representa tanto una fuerza como una limitación. El arte no es en realidad para todos; la televisión es: la televisión, las películas de Hollywood, los anuncios del metro y cualquier otra forma halagadora de cultura popular comercial, que es un sello deslumbrante de nuestra era. El sentimiento del título necesita ajustes. El arte no es para todos, es para cualquiera, que no es exactamente lo mismo. El arte es para cualquiera que lo quiera, lo que convierte al espectador en un socio comprometido y dispuesto.

En cualquier caso, las redes sociales ya han visto comentarios sardónicos publicados sobre cómo el espectáculo de arte para todos de Broad es solo para aquellos con $ 22 para comprar un boleto, un asunto significativo pero diferente. La abierta generosidad de espíritu en el trabajo vivaz de Haring probablemente debe algo profundo a haber superado las pruebas de la vida en una sociedad a menudo cruel y profundamente represiva, blanca y patriarcal. Un abrazo completo de su identidad socialmente consciente es fundamental para su ser, como subraya este hábil espectáculo.

Es Keith Haring, hombre gay y artista, que es para todos, en otras palabras, lo sea o no su arte. Ese es un compromiso igualitario ideal para celebrar durante el Mes del Orgullo LGBTQ+, y todos los demás.

Esta historia apareció originalmente en Los Angeles Times.